编者按：2022年9月受中国美术学院基础教学部邀请，在基础教学部开设古典素描教学课程。这是一个巨大的荣誉。这门课程的中心主题是古典素描教学和文艺复兴艺术，这也是我自己工作室教学和研究的主要方向。这次教学经历也给了我很多的经验和启发，进而让我对古典素描教学有了更深的思考和理解。由于我面对的是刚从预科班毕业的新生，所以设计这门课程对我来说也是一个很大的挑战。如何构思课程主题、如何设计课程成为我思考的重点。因此，根据本次教学经验，我将通过本文的教学思路和经验总结如下，供大家分享和交流：

‍之前的评论

‍

三

具体教学链接

1.素描临摹班

在上一篇文章中，我们已经介绍了基本的教学大纲和思路。现在我们已经完成了教学大纲，现在我想详细阐述一下我的教学过程和方法。先说第一周的抄写课吧。

本次临摹课设计的出发点是为了解决考前课教学中对临摹的认识和误区。如今的考前课与时俱进，也会要求学生临摹，包括临摹素描、临摹素描。预科生临摹的范围非常广泛，包括16世纪到20世纪的所有现实主义画家。他们学习的主要是这些现实主义名家、大师的描绘方法和效果。不过，这种抄袭方式应付考试绰绰有余，但对于艺术院校教学来说，这种粗暴的抄袭方式显然会带来两个致命的问题。首先，选择范围过于复杂，学生通常会被要求临摹达·芬奇、拉斐尔、安格尔、门泽尔和康波夫，这些画家之间是什么关系？他们有什么共同点，老师没有解释。学生可能会误以为他们在模仿某种风格。所以今天它变成一种风格，明天变成另一种风格。其次，更重要的是，这些草图的意义并不明确。考前的抄写训练主要是抄写。从相册里剪出一幅大师的素描，扔给学生们画。学生们可以像猫一样画它，但他们不知道他们所临摹的大师的素描背后隐藏着什么。意图和功能被完全错位地复制了。例如，我们可以做一道艺术学校曾经设计过的考试题。他要求学生临摹凡·艾克的《》肖像：

图1：凡·艾克的肖像油画（右）和素描（左）

这对于学生对手中原草图的理解是一个很大的考验。临摹这样的作品，首先需要仔细观察草图的效果和感觉。很多学生都有考前的习惯，一开始就用2B铅笔剪出形状，甚至不管物体本身的具体形状。 ，并使用自己的模型来应用客观对象。最后我画了一种有考前意义的“范艾克”。如果你这样练习，结果将毫无意义。这种学习只是为了还原最表面的效果，而没有学到画家创作的观察方法、思想和精髓。例如，凡·艾克的草图最初是为油画等比例绘制的。完全相同的手稿可以用来在油画上复制它。这就要求凡·艾克的草图首先必须非常准确和严谨。其次，其手法要细腻、细心。我们还需要知道，这幅作品是用银针笔（）绘制的。当然，学生可以用铅笔代替银针笔进行绘画，但在临摹过程中需要了解范·艾克在画草图时的观察方法和建模逻辑。这是一种密切关注每一个细节，同时强调整体连贯性的触觉造型逻辑。只有抱着这样的态度去抄写，学习才有意义。

图2 鲁本斯临摹米开朗基罗的《利比亚先知》

我希望在美院的临摹课中注入的就是这种研究性的临摹态度。这将与考试前抄写的套路完全不同。说到这里，我们可能会想到鲁本斯对文艺复兴大师的临摹。我们会发现鲁本斯的临摹范围非常广泛。它不仅限于大师的素描，还包括油画、雕塑和天花板壁画。每一份副本都有一个特殊的研究目的。同时，鲁本斯还有一种临摹，属于另一个层面的话题——那就是创意临摹。其目的是提取与创作相关的内容，最终服务于自己的创作。这与学生学习期间的研究抄袭是不同的话题。我将在下一篇文章中介绍该主题的方法。因此，我这里要讲解的主要是课堂上研究临摹的方法。

图3 拉斐尔签名厅内景

图4 在美术学院基础部的教室里，墙上挂着壁画，桌子上放着相应的素描。

因此，我们首先要面对的仍然是模板的问题。前面说过，我们的模板主要是基于文艺复兴时期的绘画，这足够我们短时间内学习和研究。第一周我选择研究的课题是三大大师之一的拉斐尔·桑乔（ ）。这是一个非常响亮的名字。很多人会觉得这样的选择显得俗气。毕竟，谁没见过拉斐尔呢？画画，连考前的画室现在都在临摹他的作品。但让我们回到我在第一篇文章中提出的问题：我们真的看过他所有的作品吗？我们真的研究过他的作品吗？看到一个人的画和理解一个人的画是两件不同的事情。了解一个人的画和研究一个人的画是完全不同的两件事。在文艺复兴时期的三位大师中，拉斐尔确实是被提及最多的，但也是最不受重视的。他的艺术对我们意味着什么并没有反映在他的教学中。这就是我打算做的。我的计划是在梵蒂冈最重要的两个大厅中修复拉斐尔的壁画：签名大厅（della）和赫利奥多罗斯驱逐大厅（di）。选择这些壁画的目的是为了识别与这些壁画相对应的拉斐尔的草图。因此，这也是我选择《拉斐尔》作为艺术院校学生第一门入门课程的重要原因之一。也就是说，在三位大师中，拉斐尔拥有最多、最完整的素描目录。同时，这些素描也与他的画作有着最密切的一一对应。说到这里，我们必须回到文章开头的问题：素描手稿作为临摹对象的意义何在。

文艺复兴时期，几乎所有的素描手稿，除了送给朋友的礼物或演示素描外，几乎无一例外都是为正式创作准备的练习（）。也就是说，这些素描在当时并没有独立的价值，而是依赖于绘画而存在的。它们本身并不是目的，而是手段和步骤。当然，这并不影响我们今天认识它们的独立价值。这也是它们常常显得不完整、潦草的原因，因为它们的目的并不是为了让人看到效果而设计的，而是为了方便画家自己的捉摸和研究。因此，这些草图本身就具有很强的针对性和研究性，往往能解决一个重大问题。例如，米开朗基罗的人体草图的目的是研究人体肌肉解剖，而不是呈现最终效果。理解这一点对于我们的研究来说是非常关键的，因为这意味着我们不应该以完成效果的态度去照搬和理解它们，而应该能够回归到艺术家进行写生研究的最初动机。当然，他还包括了第二个目的，那就是更好地理解绘画与绘画之间的关系。

图5 学生在教室抄写

我的课程也是基于这个最基本的理念来构思的。首先，我们需要临摹和研究拉斐尔的素描手稿，以了解研究的目的。其次，我们需要了解这些草图和最终壁画之间的对应关系，即联系和区别。从而深入了解文艺复兴时期素描的精髓。因此，在这堂课中，我的目标是让学生直接面对画作，体验现场临摹作品的感觉，但我们需要借助大师的素描来辅助完成这一点。上课时，班里的30名学生被分组、分类。他们各自面对不同的壁画作品，找到与壁画相对应的草图手稿进行研究。关于这些壁画的内容和审美原则，这里不再赘述。感兴趣的朋友可以查看公众号以往的文字。在下文中，我将主要选取几幅具有代表性的草图进行分析：

1A

1B

案例1：这两幅图来自拉斐尔的《帕纳索斯》壁画（1B）和对其素描的研究（1A）。它们属于拉斐尔早期的风格。线性形状成为这个时期的主导趋势。在素描中，可以看到拉斐尔用蘸水笔勾勒出连续、流畅、自由的线条。这些线条的轨迹沿着人体的C形躯干，由内向外辐射，营造出一种被风吹起的生动效果。可见，拉斐尔在素描中主要着眼于褶皱的线条，削弱了人物的体积关系。同时，他对自己的笔法也非常有把握和自信，没有太多的犹豫。腿部和脚部的线条最为凌乱，但在明暗关系上却合理统一。相比之下，壁画（1B）中的图像强化了人物的立体感，并刻意强化了线条的规律性。

2A

2B

案例二：这两幅画分别出自拉斐尔作品《驱逐赫利奥多罗斯》的壁画部分（2B）和素描研究​​（2A），属于拉斐尔艺术生涯的成熟期。看着这两幅作品，人们可以看出绘画和壁画有何联系以及有何不同。在素描中，我们可以观察到拉斐尔如何利用褶皱来表现人体背部的扭曲，这是他研究的核心课题。我们看到，这幅素描手稿采用了直接、快速的描写手法来捕捉物体，表现出物体的生动性和瞬间性。首先，我们无疑可以看到，拉斐尔对人物躯干上半身和下半身部分的概括和联系是非常准确的。同时，他用强有力的回旋曲线（a）将女人的臀部“圈”起来，有效地暗示了角色的动作，相反，腿部部分作为非焦点被一定程度的弱化。上半身主要通过一系列的褶皱和腰带展现躯干的透视效果（b）最后还有脖子和后脑勺的关系，拉斐尔极力展现了颈部和后脑勺的线条。脊柱，用丝带缠绕在脖子上（c），最后用围巾包裹后脑勺，形成一个整体和立体的质量（d），整个草图就完成了非常整体和简洁的效果。完全转移到了壁画作品上，但细节上有所加强，比如为了增强动感，去掉了脖子上的丝带，上衣本身的扭曲感更强了。臀部的曲线更加连贯，几乎形成同心椭圆，颈肩关系更加紧张，有效强化了整体气势。

3A

3B

案例3：这两张图分别来自拉斐尔《变形记》的一部分（3A）和一幅素描（3B）。它们是拉斐尔晚年的作品。拉斐尔晚年的素描风格更加刚健、大胆，充分吸收了米开朗基罗对人体的研究。因此，在人体研究中，遵循了先人体后着装的学术态度。在草图中，你可以看到两个裸体人物的研究。这里对人体解剖学的理解更加精确和深​​入。拉斐尔清楚地解释了每个肌肉群之间的关系。右边的年轻人，背部肌肉的透视关系比较好。在完成的油画中，我们也可以看到这个动作的精髓被保留到了最后。尽管被衣服遮住，拉斐尔仍然刻意强调肩膀和手臂的结构关系。

根据以上评论和介绍，我们可以将拉斐尔素描手稿的研究方法分为几类：

A. 作文研究（study）

B. 动态研究

C.人体研究（裸体研究）

D. 褶皱研究（研究）

E. 表达研究

F. 部分建模研究

A类素描一般属于研究整幅画的构图或一组人物的相互关系。最典型的例子就是《圣礼之争》中著名的左派那群人。拉斐尔做了非常艰苦的研究工作。这类素描往往比较简单，主要体现整体气氛，多用蘸笔、炭笔来表现。研究案例2中女性背部扭曲的草图（2A）显然是单个角色的动态研究草图。目的是研究人物运动的轴线和力度，所以用笔的线条和速度都非常大胆。 C类是对人体结构的研究。这部分研究与B类和D类密切相关，与前者的关系是理解人体结构的逻辑关系是理解动力学的前提，与后者的关系是人体行为作为衣服的褶皱。功能支持。 D类：褶皱的研究在神话绘画中很常见。主要基于对希腊浮雕服饰美学的研究，体现线条美（2A）。至于E类，则是专门研究人物的面部特征和表情。这类素描往往完成度很高，但无论是在人物表情的描绘上还是在表现方式上，它与独立肖像素描还是有本质的区别。一切都应该更加自由。最后，还有一些分析局部形状的草图。毫无疑问，以上几类速写都是对画面中某个问题的侧面研究，具有很强的针对性和研究性，而不是独立完整的速写。当然，它们不是彼此独立的进程。大多数时候它们同时反映在素描手稿中，这不仅是对人体的研究，也是对衣服动力学和褶皱的研究。

同时，这些草图不仅针对画面中的每个元素。它们往往还具有提炼和总结的功能。通过注重形式的某一方面，可以强化物体的某种造型倾向，体现一种特殊的描绘手法。具体观察和描述技巧可分为几类：

一个。线性：体现轮廓，注重流畅、直接

b.构造：体现体积和内部结构

c.效果：体积光影层次和氛围

例如，案例1中的素描是对《帕纳索斯》（1A）中缪斯女神克利普的素描的研究。在这里的草图中，拉斐尔重点加强了线条质量的表征。比原壁画更能体现线条本身的流畅和美观。还有《圣礼辩论》中圣保罗和圣斯蒂芬的素描研究，比原始壁画更强调光的作用。拉斐尔用木炭和白色粉笔增强了这种光感。这些都体现了素描与壁画的区别。由于工具和描绘方法的不同，素描研究会比壁画更强调某一方面的造型属性。同时，素描的即时性所带来的生动性往往使完成的壁画相形见绌，比如拉斐尔的《希望之女》素描和《帕纳塞斯山》的素描。他画的素描比壁画图像更加生动、简洁。不过，也有一些例外。例如，案例一中背部的女子在正式壁画中比素描中更加动感生动，而《帕纳索斯》中缪斯女神的服装在壁画中显得更加融为一体。并且连贯。这些草图与原作的对比，需要学生在临摹现场直接体验。只有通过比较，才能感受到素描与壁画的区别，从而了解大师造型的精髓。

案例四：美术学院学生临摹拉斐尔素描（左）和临摹壁画（右）。可以看到，在左边的素描临摹中，学生模仿了拉斐尔素描中的线性表现手法，但在临摹右边的壁画时，我却习惯性地回到了塑造明暗色调的方式。

案例5：美术学院学生临摹拉斐尔的素描（左）和临摹壁画（右）。可见，学生在临摹草图时，模仿了拉斐尔的线条表现手法，但并没有完全理解。线与体积的关系。在壁画临摹中，明显暴露出对体积理解的不足。线条的表达也显得有图案、粗糙，缺乏对原作精细细节的还原。因此，线条显得杂乱、不连贯。同时，在形式上也比原来更加臃肿。

案例6：美术学院学生临摹拉斐尔的素描（右）和临摹壁画（左）。不难看出，学生在临摹素描时，基本控制住了力量与尊严的关系。但在随后的壁画临摹中，忽略了体面关系的逻辑，从而过分强调了白化带来的肌理变化，从而削弱了体量。

因此，这也是为什么在具体实践中，我鼓励学生在临摹素描之后，直接面对原壁画进行临摹学习（案例4-6）。因此，与临摹大师的草图相比，临摹壁画的草图难度更大。这是因为素描手稿中的形状都是经过大师亲自总结和凝炼的。学生所需要做的只是理解和掌握这个概括的要素，并将其还原到自己的临摹学习中。然而，这并不能让学生真正理解其概括的本质和根源。因此，学生还是需要临摹壁画，将大师素描手稿中造型的理解方法带入到壁画临摹和改造的学习中，这样才能更好地帮助他们理解造型细化的方法。这是一种行之有效的教学方法。在具体实践中，可以明显看出，学生在临摹素描作品时，似乎暂时放弃了惯用的技法，试图模仿大师素描中的描绘方法。不过，这只是一种假设，因为学生如果不理解这种描绘方法背后的观察方法的话，很容易误认为是一种所谓的技法（），因此在临摹壁画时，他们很容易就会放弃这种方法，回到平常的观察方法。他们无法理解草图与正式壁画图像之间的本质关系。其实，无论是线条、体积还是光影，它们都只是一种表现手段。真正的核心还是建模的基本规律。同样的东西，可以用线条来表达，也可以用光影来表达表现素描sketch，但其核心是真实的物体本身。只是由于物体某些属性的独特突出，艺术家在素描时会刻意强化这一因素。这里，经常涉及到的一个教学问题是如何理解技术与造型之间的关系。我想这就是表层逻辑和底层逻辑的关系。理解表面逻辑自然需要底层逻辑为前提，但学生是否有必要在理解底层逻辑的基础上，还尝试模仿大师素描的技法，这是争论的焦点。我认为这是必要的。就像临摹字画一样。画家不可避免地会模仿画家自己的绘画方法和笔触来体验内在的造型规则。在学生形成自己的技术之前，他们完全被忽视。技术会导致内部逻辑和外部逻辑的分离。

图6-7 考前素描示范中的衣服褶皱总结，体现了非常明显的绘画式思维。

图8拉斐尔的素描手稿，通过不同的技法和材料，对衣服褶皱的研究可以看作是一种真正的研究态度。

图9 对褶皱的研究

因此，结合学生对拉斐尔素描的研究，我们会发现几个普遍存在的问题：1）考前套路严重，对图像的刻板理解2）对线条的理解不够，对考试中使用的“写作法”的使用习惯”线条风格”显得草率且不精确。 3）对体积和形状的理解很肤浅，复制了光影的色调。这些问题和我后面要讲的素描中的问题很相似，但也有区别。在考前模式中，我们发现学生对于素描、素描有一种刻板印象，认为素描（）是一个系统，素描（）是一套系统。事实上，这种划分是19世纪才出现的现象。古希腊作家普林尼所说的素描风格（ style）主要是指未完成的、潦草的效果，而不是专门的绘画类型。在大师的研究工作中，我们很难人为地划定这样的界限。通常，绘图只是更完整的草图，而草图只是更粗略的草图。然而，对于刚考完试的同学来说，这种关系似乎还不清楚。例如，他们的素描表现出与素描不同的描绘方法。草图是轮廓，而草图是切割形式的配置。当然，他们的素描中使用的线条并不是大师素描中的线条和轮廓（），而是装饰性（）而不是功能性（）线条。考前素描的装饰性主要是一种技法。他们常常根据自然界的褶皱进行程式化的概括，从而形成褶皱的套路。虽然也考虑到了人体的结构点，但线条本身却有一种独立于实体而存在的倾向，比如通过圆环，它们用绘画般的描述方式来对待丰富多样的自然，甚至有一种图案的粗细和粗细，因此它们面临相同类型的问题。穿衣服的时候，你会有一种感觉，每个人都是一样的。其形状的整体连接不够自然，往往过于夸张和扭曲（图6、图7）。相比之下，这种趋势并没有出现在大师的素描中，尤其是在拉斐尔和达芬奇的褶皱研究中。不仅研究角度不同，描绘手法也不同。他能游刃有余地把握自然物体的细节和整体，表现出细节的多样性和整体的统一性。 （图8，9）

7A

7B

7C

7D

案例7：这里展示的是学生的临摹作品（7A、7B）、拉斐尔的素描手稿（7C）和壁画部分（7D）。可以看出，学生们很难理解天使的褶皱的描绘应该怎么做。如何表现褶皱的形状和变化。在拉斐尔的素描（7C）中，他很好地利用了线条来暗示长袍的松紧和体积，而在壁画中，你可以看到线条的关系转化为白色透明布料的纹理，而一切这一切都基于对人体的了解

8A

8B

8C

案例8：这里展示的是学生的临摹作品（8A）、拉斐尔的素描手稿（8B）和部分油画（8C）。在这里你可以看到，当学生通过铅笔和粉笔表达形状时，他们过于关注纹理。与音调的关系，从而破坏了音量的转动关系，在拉斐尔的草图（8B）中，背部（a）、正面（b）和手臂侧面（c）的转动关系表达得很好，总体来说，逻辑性十足。这种逻辑感即使在油画中也被保留。

不过，与素描不同的是，考前素描正是因为这种线性的描述手法，避免了素描中经常出现的“琐碎”问题。然而，这只是掩盖问题而不是解决问题。这种现象尤其体现在彩纸上的绘画中。我们知道，在文艺复兴时期的许多素描中，为了追求浮雕感，他们经常使用彩纸建立中间色调，并用粉笔涂白，以强调凹凸效果。这在拉斐尔中期的素描中很常见。但考试的观察方式让学生很难一下子转变为这种工作思路。例如，在案例7中，我要求学生临摹拉斐尔和平祭坛中的天使形象。这里天使形象的特殊性在于，他的褶皱是白色透明的，漂浮在黑暗的背景前面，不像通常意义上代表黑暗部分的衣服线条，学生们在理解这种形式时表现出了一些困难。 ，因此不知道如何用白色粉笔将这部分转化为流畅的线条。同时，在案例8中，你可以看到在彩纸上表现衣服硬朗造型的尝试。当学生用白色粉笔将高光部分涂白时，并没有像素描中那样将高光部分反映出来。相干效果过于依赖白色光影本身的效果，从而误解了形态的转动关系。这些都说明了考前素描教育中忽视了体积和线条的基本概念。

9A

9B

案例9：壁画集体临摹，调整前（9A）和调整后（9B）。学生们课后集体临摹拉斐尔壁画，就是模仿大师带徒弟集体创作的过程。可见，考验的不仅是学生个人的素描能力，更考验的是彼此之间的工作分配和协调能力。修改前的练习中明显存在不少不协调的问题，特别是主要人物比例错误、主次错位等。通过这样的临摹作业表现素描sketch，目的是让学生更好地理解手中这些草图和临摹的意义。它们并不是单独存在的，而是需要与其他部分相互配合，被视为整体的有机组成部分。

通过以上的分析，我想我已经给大家大致介绍了美术学院这门课程的目的。无疑，这是一次尝试，虽然只有两天，但却是一门全新的课程。它的目的是追溯到源头，使学生可以重新建立从源头草图和素描概念的真实定义，并且可以通过课程告诉他们什么样的当然可以被视为真正的复制类。作为复制类，我们应该如何选择复制的模型，应该采取什么样的研究态度，以及如何查看复制和复制之间的关系？与原始工作的各种关系相对应，我认为我已经对上述特定方法提供了初步的解释。在下一篇文章中，我将通过更完整的复制培训进一步为学生提供对古典素描的核心概念的更深入的了解。

待续

作者简介

丁·坦（Ding Tan）毕业于中国艺术学院油画系的第一台工作室，并在张青（Chang Qing）下学习。 Feng 教授在他的研究生学习期间在卡拉拉国家美术学院学习，并在古典油画教授G.下学习。包括Arc Grand Prix和美国肖像大奖赛。同时，他在中国主要的艺术学院和大学曾在A级核心期刊上发表了许多论文，并被老师Chen 推荐和认可。通过这种方式，他结合了绘画的两个立场和理论研究，并建立了Arche Art Space，以便为您带来意识形态和实用的美学教育，希望为所有艺术爱好者带来意识形态和文学的影响。

以下是作者在教学期间给出的素描讲座的视频，该素描是按照教学计划同时进行的：

文艺复兴时期的经典图纸的进化和概念（第1部分）

文艺复兴时期经典图的演变和概念（第2部分）

文艺复兴时期古典草图的进化和概念（第2部分）

关于文艺复兴草素描讲座的文本内容，该链接如下：

可追溯性艺术空间

追踪根源并重返经典，我们致力于为艺术爱好者和专业人士提供人文主义绘画教学和专业绘画能力培训。

夏季课程：欧洲古典油漆培训课程

1.14-20,1.28-2.3

作者的个人作品

“ ”（）

“垂死的伊菲尼亚”

“说话者的影子”

帆布上的“等待价格”（50x60，2022）

木板上的“西比”古典油画

“路易十六人的头”画布上的油画

“孩子和金丝雀”古典彩

工作室学生作品

如有侵权请联系删除！